L’artiste afro-américaine, Kara Walker, a trouvé dans l’art conceptuel, un moyen de réflexion pour tous ceux qui contemplent ses œuvres, que ce soit ses silhouettes bien connues ou ses sculptures. Le message fort et revendicatif que ses créations cachent a suscité la controverse, même s’il a également amené l’artiste à gagner le respect du monde de l’art.

Kara Walker est née à Stockton (Californie) en 1969. Elle est la fille de Larry Walker, artiste et peintre, et de Gwendolyne Walker, assistante administrative. Elle a grandi en regardant son père passer de longues heures dans son atelier de peinture, ce qui a encouragé Walker à trouver une passion inébranlable pour l’art.

Très jeune, elle a déménagé avec sa famille à Stone Mountain (Géorgie) où elle vivra car le problème racial génère des conflits en raison de l’histoire de la ville avec le Ku Klux Klan, car c’est l’endroit où il est apparu. Là, elle a vécu pendant son adolescence, des discriminations raciales et sexistes.

Elle a étudié à Atlanta College of Art et est ensuite entrée à la Rhode Island School of Design où elle a obtenu son diplôme en 1994. Des années plus tard, elle enseignera les arts visuels à Columbia University. En outre, elle était l’une des plus jeunes femmes – elle avait 28 ans – à recevoir le prix de la bourse MacArthur, un événement controversé – à l’époque – pour être si jeune et que ses créations étaient plus populaires au sein de la communauté blanche. Elle a également été incluse dans la liste 2007 du magazine Time des 100 personnes les plus influentes au monde.

L’œuvre de Kara Walker est influencée par la vision de l’identité d’Adrian Piper. Le surréalisme et le pop art – par Andy Warhool – sont d’autres mouvements qui influencent le style de l’artiste, car dans ses créations, elle combine des faits et de la fiction avec une imagination éloquente, en plus d’être basée sur les traditions de la narration

L’une des caractéristiques les plus caractéristiques de ses œuvres est l’utilisation de silhouettes en papier – de la taille d’un mur – pour construire les scènes qu’elle représente. De cette manière, à travers cette ressource, elle crée des ombres qui mettent en scène une puissante métaphore des stéréotypes raciaux. De plus, les silhouettes jouent avec la vision du spectateur, car elles sont placées dans le but de rendre difficile de déterminer quelles parties du corps appartiennent à quelles figures, ou qui sont devant et derrière. Ces ressources confèrent aux œuvres une ambiguïté qui nous oblige à remettre en question ce que nous savons et voyons, créant une atmosphère énigmatique – généralement définie dans la guerre civile américaine ou l’esclavage – qui cache un sens orienté vers le racisme dans le présent et les inégalités sociales et économiques qui aux États-Unis.

D’autre part, il rappelle la peinture historiciste européenne à travers la représentation de moments basés sur l’histoire, la littérature ou la Bible, en l’adaptant au monde contemporain et en créant un dialogue de points communs entre les problèmes du passé et ceux du présent. Pour cette raison, les longs titres littéraires qui donnent le nom aux œuvres de Walker nous alertent sur la relation du sens historique des peintures murales.

Avec toutes ces scènes qu’il montre, elle teste également le spectateur en confrontant le caractère comique, satirique ou grotesque des personnages, qui dramatisent des éléments plus ou moins répréhensibles du comportement humain, avec la capacité du spectateur à établir la limite du comique. Il génère également une sensation aigre et inconfortable qui invite à la réflexion autocritique.

Tous ces éléments qui construisent les traits de l’artiste sont réunis dans la première œuvre exposée à New York: « Gone: An Historical Romance of a Civil War as it produite between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart ». Dans cette fresque, elle fait allusion à des sources telles que le roman « Autant en emporte le vent » (1936) de Margaret Mitchel -à propos de la guerre civile américaine- et un passage de « L’homme du clan » -un texte fondateur du Ku Klux Klan écrit par Thomas Dixon Jr- qui se concentre sur le pouvoir de manipulation du « Autant en emporte le vent ». Il mélange des éléments délicats et apparemment innocents, tels que les deux personnages en costumes du XIXe siècle sous la lune, représentant une romance de conte de fées typique, et ceux faisant référence à la violence sexuelle qui peuvent être vus de plus près. De plus, elle agrémente l’exposition de détails fantastiques comme la femme en jupes cerceaux à l’extrême gauche.

Une autre de ses grandes créations est « La fin de l’oncle Tom et le grand tableau allégorique d’Eva in Heaven » (1995). Kara Walker prend le cyclorama – un mur popularisé au 19e siècle pour générer une vue à 360 ° – pour faire appel à l’horreur inexorable du passé et au cycle d’inégalités raciales qui continue de se développer aux États-Unis. Les personnages sont disposés en taille réelle et le titre est lié à la peinture historiciste du XIXe siècle et à la cabane de l’oncle Tom (1852), le célèbre roman abolitionniste de Harriet Beecher Stowe. L’œuvre rassemble une série de vignettes dénonçant la torture, le meurtre et l’agression de la population esclavagiste d’États du sud de l’Amérique.

Après s’être fait connaître pour les silhouettes qui caractérisent ainsi ses œuvres artistiques, elle a commencé au début des années 2000 à incorporer la lumière dans ses créations, expérimentant avec le fond blanc de l’œuvre « Darkytown Rebellion » dans laquelle elle projetait de la lumière sur le plafond du Musée d ‘ Art Moderne Grand-Duc (Luxembourg). De cette façon, elle a créé une atmosphère psychédélique impliquant les visiteurs en reflétant leurs ombres à l’intérieur de la murale. De plus, la couleur des lumières, contrairement aux silhouettes noires sur fond blanc, symbolise le présent. Avec cette nouveauté, Walker parvient à impliquer le spectateur en comparant les différents éléments qui montrent les stéréotypes et en posant des questions sur l’évolution de l’histoire.

En 2014, elle présente l’œuvre la plus monumentale à ce jour: « Une subtilité, ou le merveilleux bébé de sucre un hommage aux artisans non rémunérés et surmenés qui ont raffiné nos goûts sucrés des champs de canne à sucre aux cuisines du nouveau monde à l’occasion de la démolition de l’usine de raffinage du sucre Domino « . Il s’agit d’une sculpture aux dimensions imposantes et a été exposée dans un hall à Brooklyn, l’ancienne usine de la plus grande raffinerie de sucre au monde. La posture de la figure rappelle un sphinx égyptien et recrée le stéréotype d’une « momie » (un éleveur de familles blanches). En revanche, de petites statues de jeunes hommes noirs en résine et mélasse étaient placées autour de la sculpture blanche recouverte de sucre blanc. Kara Walker a choisi cet endroit en raison de son importance historique, car c’était un lieu d’inégalités sociales, économiques et raciales.

Kara Walker tente de combattre, à travers son travail, une histoire cachée. Dans ses créations, le dessin et l’action coexistent, quelque chose avec lequel l’artiste construit un récit qui met en évidence les problèmes sociaux que les discours médiatiques sous lesquels coexiste la société américaine tentent de cacher. C’est une des phrases avec lesquelles elle explique précisément cette double face des messages: « Je suis fascinée par les histoires que nous racontons, les vraies histoires deviennent des fantasmes et des contes de fées, des histoires de moralité et des fables. »